El Op Art y El Cinetic Art

EL OP ART Y EL CINETIC- ART -TECNICAS DE IMPRESIÓN

Arte Optico

Arte óptico o op-art como también es denominado, es una corriente artística abstracta que surge tras la Segunda Guerra Mundial en Estados Unidos en el año 1958, siendo Nueva York el centro de este arte.

Los antecedentes del Arte Óptico van desde los efectos de color y gráficos, hasta el futurismo, constructivismo, dadaísmo y neoimpresionismo; surgiendo a partir del movimiento abstracto-constructivista representado por el suprematismo, convirtiéndose en un estilo exclusivamente visual que hace uso de todo tipo de ilusiones ópticas o trampantojos para engañar al ojo humano.

Características principales del arte óptico:

• Son representaciones artísticas derivadas de la abstracción geométrica
• El objetivo del arte óptico es producir y crear efectos visuales únicos
• Son obras físicamente inmóviles, con efectos de profundidad y movimiento
• Utiliza la yuxtaposición del color, con matices cromáticos identificables
• Utilizan los colores, la luz y las sombras con una gran habilidad
• Contrastes marcados cromáticos, que pueden ser bicromáticos o polis
• Utilización de figuras geométricas (rectángulos, triángulos, círculos, cuadrados)
• Crean  un complejo de tensiones visualesdando la sensación de movimiento
• Utiliza la técnica de pintura al acrílico, para obtener bases definidas y limpias
• Realizan cambios de tamaños, figuras y formas mezclándolas y/o repitiéndolas
• Podemos encontrar esculturas dentro de esta corriente artística
• Utiliza técnicas como líneas paralelas sinuosas o rectas.

 Tecnica

El efecto utilizado es:
Moire: este trata de la distorsion de la perspectiva, las imágenes consecutivas, la vibración cromática, el centelleo, la interacción de colores y las tramas estrcuturales.

Algunos artistas del OP-ART recurren a medios mecánicos para lograr imágenes vibratorias, la luz, el espacio y el movimiento captados por moduladores. Otros emplean relieves realizados en aluminio pulido o elementos líquidos coloreados.

Arte Cinetico

Expresión adoptada hacia 1954 para designar las creaciones artísticas fundadas en la introducción del movimiento como elemento plástico dominante en la obra.

Desde 1912 numerosos artistas experimentan con producciones cinéticas, como Larionov y Archipenko, para pasar en los años 20 a las construcciones de Gabo y Moholy-Nagy, sin olvidar las Placas de vidrio rotativas de Duchamp. Estos son los antecedentes de una serie de creaciones que manifiestan la influencia del ambiente tecnológico de los 50, siendo muchas de ellas expuestas en la Galería Denise René de París en 1955 bajo el ilustrativo título de “Le Mouvement”.En ella participaron artistas jóvenes que habían realizado experimentos creativos que sobrepasaban las fronteras de la pintura y la escultura tradicional por primera vez desde el fin de la II Guerra Mundial.

Procedían de Israel, Suiza, Bélgica y Sudamérica y el factor común de sus obras era la apuesta por el movimiento en contraste con la idea de la inmutabilidad de la belleza. Buscaban incurrir de ese modo en la cuarta dimensión del tiempo, anticipada por los constructivistas en los veinte.

Actividad

 

Arte Arcaico

Arcaísmo", "arcaizante" o "arcaicismo"^[1]​ (no debe confundirse con el arcaísmo lingüístico) son términos que se utilizan para designar las características "anticuadas" o "primitivas" de una obra concreta o del estilo particular de un artista o de un movimiento artístico o época enteros. A veces se emplea el término "primitivismo", pero esa denominación es la de un movimiento artístico concreto. También puede asociarse como definitorio de otros estilos que explícita y voluntariamente buscan la simplicidad en los orígenes, con muy distintos medios y resultados, como el prerrafaelismo, la obra de Gauguin, los inicios de la fase cubista de Picasso (Les Demoiselles d'Avignon), el naïf o el art brut.^[2]​

La división en épocas del arte griego antiguo, especialmente de su escultura, definió una época arcaica previa a la época clásica y helenística. La concepción cíclica de la historia del arte, aplicada a todos los periodos, concibe como "arcaica" la fase formativa, a la que sigue una fase madura o "clásica" y una fase degenerativa o "barroca".

Arte Clasico

Arte y cultura clásicos, o arte clásico y cultura clásica, son expresiones utilizadas para designar un amplio conjunto de conceptos culturales y artísticos de la civilización occidental vinculados a las civilizaciones clásicas, es decir, la griega y la romana; cuya extensión geográfica fue el llamado mundo grecorromano o grecolatino. Incluyen tanto la producción literaria de todo tipo como las denominadas bellas artes, las artes menores y la cultura material; así como las instituciones, tradiciones y costumbres. Fuera de su ámbito cronológico, también se incluye en estos conceptos su recuperación y revaloración a partir del Renacimiento.

Los límites temporales de la Antigüedad clásica dependen de distintos criterios de periodización. El más obvio es el que marca los hitos de comienzo y final en el siglo VIII a. C. (la Primera Olimpiada, 776 a. C. o la Fundación de Roma, 753 a. C.) y el siglo V d. C. (Caída del Imperio romano de Occidente, 476 d. C.); pero también se justifica terminar en el siglo III d. C. (pues desde el siglo IV d. C. comenzaría la hegemonía cultural del cristianismo); o comenzar en el III milenio a. C. (incluyendo así la civilización minoica y la civilización micénica, anteriores a la "Edad Oscura"). Como hitos en el ámbito de la literatura, los de la cultura clásica pueden ponerse en autores como Homero o Hesiodo (siglo VIII a. C.) y Apuleyo o Marco Aurelio (siglo II d. C.); mientras que en el de la cultura material, pueden ponerse en obras como el palacio de Cnosos (ca. 2000 a. C.) y la Columna Trajana (113 d C.)

En la historia de Grecia se reserva el nombre de periodo clásico al que va de mediados del siglo V a. C. a mediados del siglo IV a. C. (una parte de él se conoce como siglo de Pericles), mientras que para Roma se hace lo propio para el periodo que va desde los últimos siglos de la República romana (siglo II a. C. y siglo I a. C.) hasta el apogeo del Imperio romano, con los Antoninos (siglo II d. C.).

Arte Renacentista

El concepto de renacimiento Edad Moderna. El término procede de la obra de Giorgio Vasari Vidas de pintores, escultores y arquitectos famosos, publicada en 1570, pero hasta el siglo XIX este concepto no recibió una amplia interpretación histórico artística.

Sin embargo, Vasari había formulado una idea determinante, el nuevo nacimiento del arte antiguo, que presuponía una marcada conciencia histórica individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del artista.

De hecho el Renacimiento rompe, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la que califica, con pleno desprecio, como un estilo de bárbaros o de godos. Y con la misma conciencia se opone al arte contemporáneo del norte de Europa.

Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significa una ruptura con la unidad estilística que hasta ese momento había sido supranacional.

El Renacimiento supone una nueva forma de comprender el arte, las artes liberales ya no están controladas por los gremios, sino bajo la protección de los muchos príncipes y la burguesía. Nacen, así, los mecenas, como las familias Medici, Rucelli, Tornabuoni o Pazzi. La figura del artista es engrandecida y admirada, por lo que se abandona definitivamente el anonimato. Sin embargo, surge el taller del maestro, que controla el acceso a la profesión de los oficiales y aprendices, y que es quien recibe los encargos de los clientes. Además de la burguesía, la Iglesia y la monarquía serán protectores de los artistas, ya que se descubre el valor propagandístico del arte. Se establecen tres tipos de relación entre el artista y el cliente: el sistema doméstico, en el que el mecenas acoge en su casa al artista para que trabaje; el mercado, en el que el artista simplemente vende las obras que crea por encargo, y la academia, en el que el artista trabaja para el Estado.